Norba. Revista de Arte NORBA, Revista de Arte (ISSN: 0213-2214 - ISSN-e: 2660-714X) es una publicación anual de la Universidad de Extremadura, que se edita con periodicidad desde 1980 (títulos iniciales: Norba, Revista de Arte, Geografía e Historia [1980-1983] y Norba-Arte [1984-2005]). Sus contenidos abarcan la totalidad de la Historia del Arte y las disciplinas relacionadas con esta. Los números anteriores se irán cargando en esta página web. Mientras se pueden ver en el Repositorio de la Universidad de Extremadura DEHESA y Dialnet
Área de Historia del Arte. Departamento de Arte y Ciencias del Territorio Área de Arte. Universidad de Extremadura
Derechos de autor 2026 Norba. Revista de Arte
SANTOS MÁRQUEZ, Antonio Joaquín, El altar de plata de la Catedral de Sevilla.
PAZOS-LÓPEZ, Ángel, Imágenes de la liturgia medieval. Planteamientos teóricos, temas visuales y programas iconográficos
El auge de las presentaciones museográficas autorreferenciales, donde los museos de arte contemporáneo exponen su propia identidad e historia
Sin duda los más osados discursos autorreferenciales en los museos, como en la literatura, se han potenciado especialmente a partir de la posmodernidad, cuando se puso en cuestión el autocomplaciente relato teleológico moderno por los adictos de la “museología crítica”. Desde entonces han proliferado como nunca los museos de arte contemporáneo, que están cultivando este tipo de reflexiones no solo en exposiciones temporales, pues resulta cada vez más habitual que consagren espacios permanentes a reevaluar su pasado. Es una tendencia actual en la que cabe distinguir dos tipologías espaciales, aquí analizadas a través de numerosos ejemplos, a partir de los cuales po-drán expandirse buenas prácticas museográficas.
La representación de los Picos de Europa en la imagen plástica contemporánea. De la plasmación topográfica a la ideación artística
Se estudia, de forma razonada y con una perspectiva interdisciplinar, la representación de los Picos de Europa en la imagen artística contemporánea. La intención es indagar en el significado sociocultural de este espacio a través de su representación en las artes plásticas. Se ha querido identificar y analizar qué modos, estilos y lenguajes se emplean para expresar la relevancia de componentes paisajísticos recurrentes, arrojando luz sobre la validez de esta producción artística como herramienta efectiva en la difusión y la puesta en valor. Así, se ha abordado, desde una perspectiva tanto diacrónica como sincrónica, una lectura comparada de la representación generada en otros tipos de producción cultural que emanan de diversos campos del saber, verificando la construcción de una imagen patrimonial incorporada al imaginario colectivo.
Artículos. II. Sección General: Arte y Patrimonio
Del Novecento a la superación del perímetro del arte: el Mart de Trento y Rovereto
Concebido como un espacio que resume y proyecta el legado cultural del Trentino, el Mart, el Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, se ha convertido en la referencia cultural de la ciudad, la provincia y de la oferta museística del norte de Italia. Con una colección estructurada sobre la lectura del Novecento italiano y el arte contemporáneo internacional, sus exposiciones ponen en valor sus fondos artísticos y documentales, la herencia de Fortunato Depero, las vanguardias italianas, los movimientos artísticos de la segunda mitad del siglo XX y el trabajo de los creadores contemporáneos hasta la actualidad. En relación con los fondos documentales sobresalen el Archivo del ‘900 y el Archivio degli artisti contemporanei trentini, ADAC. La filosofía del Mart trasciende los límites del museo para proyectarse como un ágora de intercambio y promoción cultural cuya oferta expositiva, didáctica y educativa lo convierten en uno de los espacios imprescindibles del panorama museístico europeo.
futurismo, museo, arquitectura, arte contemporáneo, educación, Trentino. Italia.
Relato y musealización del New Media Art: un reto pendiente, 60 años después
El relato historiográfico de las artes mediales todavía está por escribir. La falta de responsabilidad de los (mal)llamados “museos de arte contemporáneo”, eludiendo su responsabilidad de incluir en sus colecciones y musealizar las prácticas artísticas mediales creadas desde mitad del siglo XX, exige un ejercicio de Gobernanza que implica explicar qué son las artes mediales; construir su relato; contextualizarlas y musealizarlas, asumiendo responsabilidad institucional con todo este nuevo patrimonio artístico y cultural, que necesita ser conservado, ordenado, exhibido, relatado y divulgado. Este texto, escrito desde la experiencia artística, curatorial, teórica, docente y de gestión museográfica en el ámbito de los nuevos medios, explica cada uno de estos aspectos, describiendo las actuaciones necesarias para solventar esta “historia pendiente” y preservar esa “memoria en riesgo” a la que alude el título.
Artes mediales, Historia del arte actual, historias de las artes mediales, musealización del arte digital y electrónico
Un museo en conexión permanente con la cultura contemporánea y la ciudad. El Centro de Arte y Naturaleza de Huesca
Este texto analiza la trayectoria del Centro de Arte y Naturaleza ubicado en Huesca con el fin de determinar cómo su relación con el paisaje está presente no solo en la colección que conserva sino en las obras artísticas site specific que promueve y se irradian por el territorio. La justificación de este análisis se debe a que próximamente esta institución museística cumplirá dos décadas por lo que el objetivo se centra en conocer su evolución y trascendencia. Para ello, se ha seguido una metodología basada en el estudio de fuentes bibliográficas, vaciado de hemeroteca, entrevistas y, por supuesto, la participación activa en sus diversas actividades lo que permite llegar a conclusiones sobre cómo este lugar se encuentra en conexión permanente con la naturaleza y la ciudad a través del arte.
Las intervenciones del maestro de cantería Pedro de Marquina en la iglesia parroquial de Santiago de Cáceres: el basamento del retablo de Berruguete
Pedro de Marquina es uno de los maestros más influyentes en la arquitectura de la segunda mitad del siglo XVI en la villa de Cáceres. A él le debemos importantes edificios como la torre de la iglesia parroquial de Santa María la Mayor o el balcón en esquina del palacio de Francisco de Godoy. Cercano a este palacio se encuentra la iglesia parroquial de Santiago de los Caballeros, fundada por los Fratres de Cáceres. En ella se encontraron varios de los artistas y maestros más importantes que crearon el renacimiento extremeño, como Alonso de Berruguete, Rodrigo Gil de Hontañón, Pedro Gómez, Sancho de Cabrera y Pedro de Marquina. Una de las intervenciones que hizo el maestro en el templo fue el basamento del retablo mayor.
La técnica en el escultor José Montes de Oca
El artículo aborda la técnica de José Montes de Oca, un escultor sevillano cuyas obras, aunque influenciadas por la corriente tardo-barroca, muestran una reinterpretación personal de los modelos de Martínez Montañés y Juan de Mesa. La metodología de su trabajo se destaca por el uso de técnicas como la adición de numerosas piezas de madera en sus esculturas. Además, se revisan alguna atribuciones que nos parece equivocada y se detallan algunas de sus obras conservadas, como la Santa Ana o busto de dolorosa. Se analizan los procesos técnicos, como la talla en madera, el uso de herramientas específicas y las técnicas de policromía, en la que colaboraban pintores como Juan Francisco de Neira
Museo y lugar: notas (ligeras) sobre la Historia de los Museos de Arte
El artículo quiere servir a la enseñanza de la historia de los museos de Arte occidentales. Parte de definiciones de museo, desde la Antigüedad para analizar la evolución de su concepto y siguen 10 apartados titulados con 10 palabras que se unen a “lugar” y una propuesta. En ellos se describen ejemplos de creación y renovación de museos del pasado que siguen actuales criterios y que además de conservar, exhibir, crearon patrimonio mueble y arquitectónico y urbano de su tiempo e innovaron. Se destaca la relación histórica entre patrimonio y museo, que unida a otros conceptos, pueden ser útiles para actuar en el actual panorama de valoración, extensión, diversidad y complejidad de la institución, siguiendo el consejo de Oteyza de avanzar como los remeros, mirando hacia atrás.
Desde su fundación en 1908, el Museo Bellas Artes de Bilbao ha concretado un modelo propio en el que las instituciones, la ciudadanía y la comunidad artística contribuyen a su enriquecimiento y aggiornamento constantes. En la segunda década del s. XXI, señala su historia con una nueva arquitectura, a cargo de Norman Foster y Luis María Uriarte, que tracciona una renovación de los ámbitos de gestión y, de modo especial, de la relación con sus públicos, del relato del arte y de los canales de difusión de la era digital. La iniciativa BBKateak, que vamos a analizar aquí, condensa esos cambios y cuestiona la museografía tradicional, al convertir las salas en un laboratorio en el que la flexibilidad cronológica y la orientación multidisciplinar reformulan la colección y su contemplación.
Cortes indolores: Gina Pane y la iconografía de los santos martirizados
Este artículo versa sobre la imagen del dolor en las fotografías de las Acciones de Gina Pane. Tales imágenes son menos espontaneas y más calculadas de lo que la noción de simple registro performativo suele suponer, pues traen consigo elecciones artísticas bastante explícitas. Al exponer un cuerpo tan sereno, a despecho de las heridas que se ha provocado, la artista acaba por remitir a la iconografía cristiana del martirio. Esta capacidad sobrehumana de trascender la urgencia corporal del dolor establece el lazo entre dos cuerpos singulares: el del santo y el de la performer.
AVANZI, Beatrice y SGARBI, Vittorio (eds.), Realismi magici: Pyke Koch e Cagnaccio di San Pietro
La proyección de la Casa de Feria: su escudo en la parroquia de Talavera la Real
La casa de Feria, uno de los linajes más poderosos de Extremadura, controló gran parte de la comunidad mediante el control de territorios y la compra de tierras. Uno de los ejemplos fue Talavera la Real, donde en la cabecera mayor de la iglesia parroquial aparece un enigmático escudo de armas de esta casa, cuyo origen se desconoce. Esta nota plantea y descarta distintas hipótesis para explicar la presencia de dicho escudo.
Sobre el desaparecido retablo mayor del Eremitorio de Nuestra Señora de Belén en Córdoba: una obra de los hermanos Juan Santiago y Manuel Prieto
En 1754 los ermitaños del Desierto de Nuestra Señora de Belén de Córdoba otorgaron una escritura de concierto para la realización del primitivo retablo mayor que presidió el presbiterio de la iglesia del eremitorio, y que fue destruido en 1836 tras la promulgación del Real Decreto que compendió la Desamortización de Mendizábal. Gracias a la localización de dicho contrato en los protocolos notariales del Archivo Histórico Provincial de Córdoba, damos a conocer en el siguiente trabajo algunas noticias sobre su diseño, autoría, cronología exacta, descripción y otros detalles acerca de su estilo y trazas.
DEL RÍO, Víctor y SANTAMARÍA, Alberto (coords.), Imagen, lenguaje e ideología. Aproximaciones desde la historia y la teoría del arte
La lucha contra el amaru en el Alto Perú: arte y moralidad.
La iconografía del Amaru, como serpiente o pequeño Lauro en la región andina peruana, es una de las manifestaciones artísticas que se repite en todos los formatos desde la época prehispánica hasta el siglo XIX. Una representación, en principio, dentro del panteón inca vinculada al poder que, variará su significado adquiriéndolas connotaciones negativas tradicionales de las sierres en la cultura europea occidental. Así, el presente trabajo trata de evidenciar este cambio en su significado y recepción entre los locales, añadiendo, el vínculo que en el siglo XVIII podría percibirse entre la figura del Amaru y las derivas rebeldes de Tupac Amaru II. Es por ello que, se presentan nuevas reflexiones acerca de esta iconografía a través de su relación con la moralidad y política clave en el pasado y presente del Perú.
La estructura de la cubierta de la cabecera de la iglesia de Santiago de Cáceres
La cubierta de la cabecera de la Iglesia de Santiago en Cáceres, construida a me-diados del siglo XVI, ha sufrido varias reformas hasta la consolidación de su estructura en la segunda mitad del siglo XX. A partir del análisis geométrico y gráfico de los elementos actuales se pretende abordar su evolución a lo largo de los siglos. La geome-tría visible (la bóveda interior que forma el techo de la iglesia y la cubierta de teja que protege la fábrica y la bóveda), permite analizar la geometría del trasdós. Se trata de elementos que han sufrido una radical transformación y que, sin embargo, resultan des-conocidos y ocultos tanto desde el interior del templo como desde el exterior o vista aérea.
Entre dos orillas: las artistas del exilio en los museos de México y España
El presente artículo estudia la presencia de obras de artistas exiliadas en los museos españoles y mexicanos. A través de la selección de siete creadoras, el trabajo aúna historiografía y trabajo de campo, tanto en España como en México, para analizar y poner en valor la obra de las artistas que tuvieron que exiliarse al país mexicano tras el final de guerra civil española. El objetivo principal es situar su producción en un contexto más amplio y en relación con el propio escenario cultural en el que se produjeron y dotarlas de reconocimiento en la actualidad.
Museo Würth La Rioja: ejemplo de integración entre arte, industria y filantropía
Desde la inauguración de su primera sede museística alemana en 1991, el Grupo Würth, especializado en la fabricación de material industrial, ha impulsado trece centros artísticos en Europa. Este estudio analiza su red museística como acto de mecenazgo corporativo y herramienta para la construcción de su identidad empresarial. Además, se presenta un estudio específico del Museo Würth La Rioja, ubicado en el Polígono Industrial El Sequero de Agoncillo. Tras contextualizar el papel que cumplen los museos corporativos en la creación de una imagen pública empresarial, se examina la colección de arte contemporáneo, con más de 20.000 obras, y se destaca su sede española inaugurada en 2007, que cuenta con un jardín escultórico, un moderno espacio expositivo y una programación educativa innovadora.
¿Cambio o continuidad?: un siglo de rutas por los monumentos españoles (1847-1955)
Con este trabajo estudiamos los itinerarios que los viajeros extranjeros hicieron por los monumentos de Madrid, Toledo y Sevilla. Para ello, se han seleccionado un total de veintinueve libros de viajes pertenecientes a la American Geographical Society Library de la University of Wisconsin-Milwaukee publicados entre mediados del XIX y la mitad de la siguiente centuria. Se analiza el comportamiento de viajeros de distintas épocas para conocer los monumentos españoles más consolidados turísticamente, los estilos artísticos preferidos y la terminología artística empleada. Se observa la relevancia de los paseos, calles y del Museo del Prado en Madrid, de las obras medievales en Sevilla y Toledo, el poco aprecio que despertaron las arquitecturas neoclásicas y las ausencias de determinados monumentos.
Juan de Dios Fernández (1745-1800): entre el gusto academicista y la tradición murillesca
Esta investigación tiene como objetivo profundizar en el conocimiento de un pintor, conquense de nacimiento, cuya carrera artística quedó doblemente ligada a la Academia de Tres Nobles Artes de Sevilla, primero como alumno y posteriormente como profesor, e incluso director. Igualmente, se dan a conocer un total de siete obras inéditas, siendo ejemplo cuatro de ellas de una de las principales devociones sevillanas del siglo XVIII: las ánimas benditas del purgatorio.
JAQUERO ESPARCIA, Alejandro y GARCÍA ALCÁZAR, Silvia (eds.), Arte y devoción en Castilla-La Mancha durante la modernidad. Perspectivas interdisciplinares en torno a la villa de El Bonillo
Reseña del libro Arte y devoción en Castilla-La Mancha durante la modernidad. Perspectivas interdisciplinares en torno a la villa de El Bonillo, Madrid, Sílex Ediciones, 2022, 401 pp. ISBN: 978-84-19077-34-9, editado por los profesores Alejandro Jaquero Esparcia y Silvia García Alcázar.
Del desarrollo del concepto de públicos, al desarrollo de públicos. Reflexión sobre el impacto de la terminología en la práctica de los museos
El uso de un término u otro a la hora de definir algún aspecto en ocasiones supone un cambio en la concepción de aquello que se está queriendo definir. Esta investigación pone de manifiesto cómo afecta el uso de diferentes conceptos por parte de los museos para definir a los públicos. En clave de reflexión crítica y mediante la revisión de la literatura, en este artículo se aborda, en primer lugar, el uso de los distintos términos utilizados históricamente y el impacto de la traducción de nuevos conceptos como audience development. Después, profundiza en el enfoque del desarrollo de públicos y en su impacto en distintos países a través de la identificación de buenas prácticas. Finalmente, se expone cuáles son las principales áreas abordadas mediante el desarrollo de públicos y su impacto.
Los grupos sociales ilustrados en el siglo XVIII y los nuevos usos iconográficos: la defensa de nuevos valores en las honras fúnebres reales
A lo largo del s. XVIII, las honras fúnebres reales realizadas lejos de la corte se utilizan por distintos grupos sociales para reforzar su prestigio en la ciudad y consolidar sus valores. Es en este siglo cuando se elevan en la escala social nuevas clases ilustradas que van a usar los mismos rituales para afianzarse en el mismo contexto, pero sus valores serán distintos a los anteriores lo que implicará nuevos usos iconográficos. El objetivo de nuestro estudio contempla este proceso a través de algunos ejemplos.
BARGÓN GARCÍA, Marina, La eternidad pétrea. El arte de la piedra seca, simbiosis entre cultura y naturaleza en Extremadura
LOZANO BARTOLOZZI, María del Mar, Los poblados de los Saltos de Torrejón el Rubio (Cáceres) en la cuenca del Tajo: Memoria documental / Memoria inmaterial
El escultor Santiago Almela (Madrid, 1909 - Ciudad de México,1977): una trayectoria olvidada
Santiago Almela destacó en el panorama escultórico madrileño de los años treinta por su apuesta decidida por una figuración moderna, influida por las corrientes renovadoras europeas del momento. Aunque su obra obtuvo cierta visibilidad en su tiempo, su posterior exilio en México y la desaparición física de sus esculturas han contribuido a su actual desconocimiento. Este artículo propone una reconstrucción crítica de su trayectoria artística, centrada en su participación en diversas exposiciones, en especial sus individuales en el Salón del Heraldo de Madrid (1933) y el Círculo de Bellas Artes (1935), y en la recepción que tuvo en la prensa especializada. Se incluye también una aproximación contextual a su etapa mexicana, escasamente documentada pero decisiva en la progresiva desaparición de su figura.
Santiago Almela; escultura española del siglo XX; retorno al orden; art déco; realismo mágico
Vida y obra religiosa del escultor malagueño Antonio Gutiérrez de León (1829-1891)
En este artículo presentamos la biografía y numerosas obras documentadas y atribuidas razonadamente del escultor y catedrático de modelado de la Escuela de Bellas Artes de San Telmo de Málaga, Antonio Gutiérrez de León, que lo fue desde mediados del siglo XIX. En el primer caso, aportamos datos novedosos y desconocidos sobre su vida, corrigiendo algunos que eran erróneos y se habían repetido por parte de la historiografía, y presentando otros totalmente inéditos. En el segundo caso, construimos un catálogo de la producción religiosa del escultor, con numerosísimas obras documentadas y otras tantas atribuidas totalmente inéditas y desconocidas. Gracias a esto, igualmente establecemos las características de la poética particular del artífice que diferencia su obra de la de su abuelo (Salvador) y su padre (Rafael), escultores como él.